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Pour le bien de nos oreilles... et de notre esprit.

Guitare "classique", les maîtres d'aujourd'hui

Voici de prestigieux guitaristes, profitons des vidéos pour observer la qualité de leurs gestes et nous en imprégner.

Guitaristes historiques

Ici, quelques compositeurs guitaristes qui ont brillés par la qualité de leurs compositions, leur virtuosité et/ou l'apport stylistique et pédagogique qu'ils ont réalisé...

Augustin Barrios Mangoré
1885-1944

Emilio Pujol
1886-1980

Andrés Segovia
1893-1987

Abel Carlevaro
1916-2001

Antonio Lauro
1917-1986

Leo Brouwer
1939

Antonio Cano Y Curriela
1811-1897

Francisco Tarrega
1852-1919

Daniel Fortea
1878-1989

Miguel Llobet
1878-1938

Julio Salvador Sagreras
1879-1942

Bartolome Catalayud
1882-1973

Anton Diabelli
1781-1858

Dionisio Aguado
1784-1849

Luigi Legnani
1790-1877

Matteo Carcassi
1792-1853

Napoleon Coste
1805-1883

Johann Kaspar Merts
1806-1856

Gaspar Sanz
1640-1710

Robert de Visée
1655-1732

Ferdinando Carulli
1770-1841

Joseph Kuffner
1776-1856

Fernando Sor
1778-1839

Mauro Giuliani
1781-1829

Compositeurs historiques

Quelques grands noms qui ont marqué l'histoire de la musique sont présentés ici (comme les autres, cette liste est loin d'être exhaustive). Parmi eux, quelques uns ont écrit pour la guitare et une partie des œuvres de quelques autres ont fait l'objet de transcriptions pour être jouées à la guitare. Bien qu'elle soit une pratique courante, la transcription servira moins l'œuvre et l'esprit du compositeur qu'une restitution sur l'instrument pour lequel elle fut écrite (naturellement parce que le compositeur tien compte du timbre et des qualités techniques et expressives de l'instrument pour lequel il compose).

Reynaldo Hahn
1874-1947

Maurice Ravel
1875-1937

Manuel de Falla
1876-1946

Manuel Maria Ponce
1882-1948

Heitor Villa-Lobos
1887-1959

Francis Poulenc
1889-1963

Richard Wagner
1813-1883

Gustav Mahler
1860-1911

Isaac Albéniz
1860-1909

Claude Debussy
1862-1918

Erik Satie
1866-1925

Enrique Granados
1867-1916

Ludwig Van Beethoven
1770-1827

Niccolo Paganini
1782-1840

Franz Schubert
1797-1828

Frédéric Chopin
1810-1849

Robert Schumann
1810-1856

Franz Liszt
1811-1886

Johann Sebastian Bach
1685-1750

Georg Friedrich Häendel
1685-1759

Wilhem Friedmann Bach
1710-1784

Franz Joseph Haydn
1732-1809

Antonio Salieri
1750-1825

Wolfgang Amadeus Mozart
1756-1791

François Couperin
1668-1733

Azzolino Della Ciaja
1671-1755

Tomaso Albinoni
1671-1751

Antonio Vivaldi
1678-1741

Jean-Philippe Rameau
1683-1764

Domenico Scarlatti
1685-1757

École Notre-Dame
1160

John Dowland
1563-1526

Claudio Monteverdi
1567-1643

Jean-Baptiste Lully
1632-1687

Marc Antoine Charpentier
1634-1704

Henry Purcell
1659-1695

Cantaores y Guitarristas de flamenco

Le flamenco est un emblème national, l'art d'être Espagnol... Dans sa forme primitive, c'est l’exercice du “cante” (Cante Jondo) qui se pratique comme une performance déclamatoire à l’expressivité puissante et démonstrative. Point de chanteur ici mais un “Cantaore” qui déclame son texte avec force et caractère ; son matériau musical, c'est la singularité de sa langue, latine. La guitare apporte un cadre harmonique et soutien le “Cante”. Le “toque flamenco” est avant tout une emprunte sonore, une dynamique de jeu et une capacité à exploiter l'étendue et la richesse expressive de la guitare (aux techniques héritées de la guitare baroque). Le “baile” (danse) met en mouvement l'esprit du flamenco. Les “palmas” (mains frappées) tiennent le “compas”, le moteur cyclique, le cœur rythmique et caractéristique de la bête indomptée. En effet, point de partition pour cette musique, elle ne s'écrit pas. Musicalement, le flamenco pourrait être considéré comme l'art de la boucle, de la variation et de la performance déclamatoire duquel naissent, non pas des “compositions musicales” mais des “figures emblématiques” qui se sont distinguées en leur temps parmi les Espagnols.

Argentine, Paraguay, Uruguay, Brésil

Les musiques d'Amérique latine sont la conséquence d'un expansionnisme européen et d'un brassage entre cultures ibériques, cultures indigènes (indiens Guaranis) et influences Africaines (traite négrière). (Campagnes de colonisation Espagnoles-Portugaises entre 1500 et 1600 ; constitution de l’Argentine en 1853 ; vagues migratoires italienne et espagnole entre 1862 et 1930). On notera les influences afro-portugaises pour le Brésil (dont on connait bien les styles Samba et Bossanova) et les similarités flagrantes entre la Musique populaire Espagnole et celle d'Argentine : la tradition orale (musique populaire), les “letras”, (textes poétiques déclamés par le “Payador”) ; la place prépondérante de la guitare ; des formes rythmées construites sur des “séquences types” (Claves) ; des cadences harmoniques très courtes avec des formules conclusives. Les styles les plus connus sont les Zamba, Carnavalito, Gato, (évoquant la joie et l'allégresse) ; Vidala et Vidalita (l'après festivité) et la Milonga, ancêtre du Tango. Ce sont des musiques "jeunes", essentiellement constituées dans le courant du XXe siècle.

Eduardo Falu
1923-2013

José Larralde
1937

Maria Luisa-Anido
1947-2014

Joao Gilberto
1931-2019

Baden Powell
1937-2000

Juan Alais
1844-1914

Abel Fleury
1903-1958

Bianqui Pinero
1907-1996

Hector Ayala
1914-1990

Astor Piazzolla
1921-1992

Instruments et Maestros

De magnifiques instruments qui font le "son" de la musique, ont inspirés de grands compositeurs et sont ici joués par de grands maîtres. À écouter sans modération.

Musique(s), par époques et par genres

Entrer dans la musique avec Jean-François Zygel

Dès lors que l'on dispose de clefs d'écoute et de compréhension, les choses nous apparaissent sous un nouveau jour et nous nous trouvons dans de meilleures dispositions pour les apprécier. Le Savoir donne la Saveur... Mieux connaitre les principes musicaux nous offrira plus d'intimité avec la chose musicale et nous permettra de mieux aborder les subtilités de la partition.

Écouter... cela s'apprend !

Jean-Jacques Griot, musicologue et formateur, nous livre de précieux conseils (de façon concise et accessible) pour aborder l'apprentissage à l'écoute musicale. En dehors des conservatoires, cette discipline est quasi inexistante. C'est pourtant une base essentielle pour construire une relation pleine et consciente avec l'objet de notre attention...
Retrouvez ses formations sur : ecouteclassique.com

N'oublions pas... les émissions France-Musique

D'une semaine à l'autre

Programme d'écoute musicale à l'attention des élèves. Tout au long de l'année scolaire, je vous propose une sélection d'œuvres musicales du répertoire classique ou de musiques populaires en lien avec votre pratique instrumentale. Cet exercice vise à élargir votre champs d'investigation musicale ; acquérir des repères historiques ; développer votre capacité d'écoute et votre sens critique en apprenant à décrire ce que vous entendez et en vous familiarisant avec les concepts et le vocabulaire musical (que nous aborderons en cours). J'espère que vous prendrez plaisir à l'écoute de ces jolies musiques ;-)

Quelques pistes et consignes d'écoute


— Se placer dans de bonnes conditions

Prendre le temps, être au calme, seul, au casque (pas trop fort).
Apprendre à dissocier son écoute : basses-aigus, d'abord, concentrer son écoute sur les voix graves, ensuite porter son attention sur l'ensemble.

— Considérer l'historicité
Compositeur, œuvre, période musicale, interprète, ...
(ex. J-S Bach —1685-1750—, Andante Sonata BWV 1003 ; époque Baroque ; Carles Trepat).

— Exprimer le caractère de l'œuvre
On peut décrire le sentiment ou l'esthétique générale, ou relever le contraste entre certains passages... Employer des thermes évocateurs, des images... (ex. "avec grâce, esprit et noblesse" ; "animé, agité, emporté" ; "affectueux, avec tendresse" ; "avec légèreté et insouciance"...) Question à se poser : quels sont les éléments qui justifient notre perception ? (par exemple, la tonalité majeure ou mineure, ou ... le mouvement lent et grave, ou ... une tension, une dissonance, ou... une suite d'accords qui semble ne pas trouver sa résolution, etc.)


— Repérer les éléments discursifs de la composition

Les éléments de structure : ex. un motif rythmique ou mélodique, un thème, ses variantes, les éléments d'articulation, cadences, respirations...

— Repérer les éléments techniques dans le jeu
Développement des accords : plaqués, arpégés, en nappes... ; le phrasé et les effets expressifs : vibrato, glissando, legato, staccato...

— S'entrainer à décrire la plasticité d'un son
La matière sonore : timbre, dynamique, intensité ... (ex. rugueux, granuleux, mat, sourd, dur, sec, incisif, étouffé, lisse, brillant, souple, moelleux, tendre, élastique, profond... fort, très fort, en augmentant... en accélérant, en retenant, bien assit, au fond du temps, avec largesse...)

— Reconnaitre l'instrumentation et l'écriture
L'instrumentation et la famille (cordes frottées, pincées... vents, percussions...).
L'écriture : contrepoint ou harmonie (l'instrumentation et l'écriture nous renseignent sur la période musicale)

Repères chronologiques

Mise en perspective et considérations sélectives sur l'Histoire